· LaTejedora CCEC ·

La triste muerte de Luther Blisset

2008-07-02T12:00:00.001-07:00

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OBSERVATORI 2008 - ULTIMOS DÍAS

2008-06-27T00:30:00.000-07:00

Observatori 2008
After the future

Centro del Carmen de Valencia hasta el 29 de junio.
Alumnos del Máster en Artes Visuales y Multimedia de la UPV presentan sus propuestas en el Observatori Cada jueves se renuevan las piezas, permaneciendo 4 días.

La tejedora Inés Parcero Gálvez nos presentó hace unos días una instalación interactiva llamada Taconexiones en la que se cruzán dos formas de expresión que el espectador tendrá que entrelazar. Se trata de jugar con el sonido que crean al bailar los tacones de una bailaora de flamenco, acentuándolo y de alguna manera transformándolo, mediante el uso de la tecnología.

Otra tejedora Yasmina Morán Conesa nos presenta desde el jueves 26 de junio hasta el domingo 29 la instalación interactiva ¿Por qué Estaría Mal? (Naturaleza Muerta).
Que las cosas sucedan de esta manera y no de otra es sin duda lo que hace de lo cotidiano un continuum reconfortante y tediosos a partes iguales. Que el objeto a vaya a toparse con el objeto b debido a la ligera pero suficiente inclinación de la superficie en la que ambos se hallan, es algo que no merece la pena ni mencionar. Que al observar esto o cualquier otra cosa miremos sin ver se debe a que, de hecho, es como si ya lo hubiéramos visto (qué más da cuándo, si ayer, si ahora, si mañana antes de comer...). Que esta tranquilidad anodina se haga canto, no es ya signo de alegría, sino de resignación. Flacos sucesos, caussas y efectos, reacciones, consecuencias, normas, leyes... que existen porque son pensados y que, por supuesto, son pensados porque existen.

PIXEL ATTACK 2008 // 3-4 de Julio. Sala Parpalló (Valencia)

2008-06-23T19:16:00.000-07:00

Pixel Attack celebra el próximo mes de Julio su segunda edición y se convierte en un referente único en la ciudad de Valencia. Este evento es una iniciativa de Nectar Estudio y presenta las últimas tendencias del diseño mediante la creación digital; aúna conferencias, presentación de proyectos, mesas redondas, motion graphics, workshops y live act.

PARTICIPANTES:

United Visual Artists (UK)
Dvein (BCN)
Mr. Doob (BCN/UK)
Flan of Builtbyrimes (VLC)
Keytoon Animation Studio (VLC)
Kikuru (VLC)
Saponia (VLC)
Medios y Proyectos (VLC)
Pixelinglife (VLC)
Nectar Estudio (VLC)
Inklude (VLC)
Calpurnio + Sr. Imbécil (VLC)

Más info: Descargar folleto Pixel Attack 08

Este año PIXEL ATTACK ofrecerá a todas las personas que estén interesadas, la posibilidad de realizar 4 WORKSHOPS específicos relacionados con la programación orientada a objetos.
La programación orientada a objetos está tomando cada vez mayor importancia y mayor peso en la creación de obras y proyectos multimedia interactivos. En estas jornadas ofrecemos la posibilidad a todas aquellas personas que lo deseen, de introducirse o mejorar sus conocimientos sobre dos de los lenguajes más potentes y visuales con los que contamos hoy en día, el ActionScript y el Processing.

Los workshops se realizaran en las instalaciones de la escuela ESAT.
C/ Viciana 5, 46003 VALENCIA. Tel.: 96 315 56 37.

Sábado 21, 21:00h EXPOSICIÓN: Angela Sánchez de Vera + Jorge López

2008-06-18T07:23:00.000-07:00

Los amigos Jorge y Ángela inauguran en el también amigo elotroespacio este sábado 21 a las 21.
No os perdaís lainauguración que además de picaeta, su trabajo está muy bien!

Belle de jour, Belle de nuit. Es la segunda exposición programada para Otro Espacio presenta una intervención conjunta de Jorge López y Ángela Sánchez de Vera sobre la película Belle de Jour (1967) de Luis Buñuel. Los dos artistas revisan la película para armar la fotonovela Belle de Jour, Belle de Nuit, que despliega sus páginas en la sala.

El libro recoge treinta fotogramas intervenidos manera muy distinta por cada artista: Jorge pinta sobre las imágenes, ampliando las fantasías eróticas de Séverine Sérizy en las páginas pares, mientras que en las páginas impares Ángela aísla los objetos de las escenas para ilustrar una entrevista con Jean-Claude Carrière.

El lector que empiece a leer la fotonovela por la cubierta delantera se encontrará con las intervenciones de Ángela (Belle de Jour) y quien empiece a leerla por la cubierta trasera se encontrará con la visión de Jorge (Belle de Nuit): ambas intervenciones se encaran, mostrando la parte más cerebral y la parte más animal del burdel buñueliano.

AUTOBOMBO #01

2008-06-18T04:50:00.000-07:00

Las buenas calles * Ángela Molina

2008-06-16T05:39:00.000-07:00

Las figuras del "arte" y la "utopía" llevan mucho tiempo entremezcladas. De su dinámica han nacido múltiples contradicciones. Mientras el arte siempre ha de inquietar, escapar de las normas y obligarnos a reconocer la importancia de tener espacios, la utopía aporta consuelo, armonía sin conflictos. Celebra el imposible impalpable. Es el transporte a un lugar apartado del mundo real exterior. Una de sus más atractivas paradojas tiene que ver con el intento del artista de desestabilizar el ideal platónico de ciudad (una urbe cerrada, ordenada) a base de lanzar sobre ella dudas tan potentes como bombas. ¿Puede el arte hacer que un espacio hegemónico esté menos seguro de sí mismo? ¿Se puede contaminar el espacio público inyectándole estéticas y usos nuevos? El joven licenciado en arquitectura Gordon Matta-Clark (1943-1978) no iba muy desencaminado cuando vislumbró la posibilidad de nivelar la altura de los edificios, incluyendo las Torres Gemelas, con el sky-line de Manhattan, pocos años después de que la pareja de artistas Christo y Jeanne-Claude proyectara convertir en crisálidas eréctiles algunos rascacielos de Wall Street (Lower Manhattan Wrapped Buildings, 1964) sugiriendo un proceso de transición física y metamorfosis de las arquitecturas del poder. Al igual que la idea de obstrucción (blockading), la técnica del embalaje había surgido de la necesidad de crear juegos espaciales, transformar algo familiar en misterioso. Pero, sobre todo, de escapar del "no lugar" alumbrado por la utopía (un tema que animó a buena parte del movimiento del 68 en Francia) para poner los pies en espacios particulares de prácticas reales. El arte necesitaba un nuevo campo de batalla. Y la ciudad se había puesto a tiro.

El arte público crea un espacio político, un ámbito donde las identidades y las ideas de conflicto y diferencia provocan una reacción en la audiencia. Nuestro combate simbólico con las operaciones económicas que se dan en la esfera pública ha conformado el tema de la creatividad en la calle, desde la "alteración" situacionista (détournement), el land-art, las tendencias site-specific, los amonumentos y contramonumentos, las street performances, el grafiti o las nuevas formas de exposición, distribución y lugares de socialización creados por la generación actual de artistas, que han transformado los recursos familiares del readymade, la colaboración y la instalación.

Pero el ascenso del neoliberalismo durante las dos últimas décadas barrió casi por completo cualquier objeción artística en el espacio público. Desde el ámbito de la crítica artística, Lucy Lippard y Graig Owens denunciaron el papel cómplice que el arte estaba desempeñando dentro de los procesos contemporáneos de la ciudad, ya sea como colaborador/decorador de las reestructuraciones urbanísticas o como índice de la revalorización de barrios para futuras inversiones de grupos inmobiliarios. La psicogeografía situacionista, de raigambre surrealista, la sociología y el urbanismo marxista (Peter Marcuse, David Harvey) también se encargaron de reseguir la trayectoria exacta del proceso por el cual el capital construye un paisaje geográfico a su propia imagen en un cierto punto del tiempo sólo para tener que destruirlo después, en una suerte de causalidad circular y acumulativa que no ha hecho más que acentuar las diferencias sociales y los desarrollos desiguales.

Durante los setenta, artistas como Vito Acconci, Adrian Piper, Hans Haacke, Martha Rosler, Richard Serra, Krzystof Wodiczko o Francesc Torres criticaron el desarrollo urbano de la ciudad de Nueva York que afectó profundamente tanto a su morfología arquitectónica como a su distribución social. Crearon contradiscursos con trabajos de resistencia. Hoy, a excepción de algún judas, estos artistas siguen siendo considerados los apóstoles del antagonismo.

En la actualidad, la fuerza crítica y de oposición de aquellos destructores ha degenerado fácilmente en conformidad con el orden establecido. Donde Matta Clark había creado el restaurante Food (galería 112 de Greene Street) para ofrecer a los comensales la cocina económica de su famoso "pollo aterciopelado en salsa de satén", "guiso de dumpling de hígado de alka seltzer" o su suculenta "bone dinner" (sopa de huesos), hoy tenemos a Ferran Adrià instalado en la alta cocina de la Documenta regalando sus costosísimas degustaciones a curadores y críticos de arte. Donde Hans Haacke había denunciado el negocio inmobiliario ("Shapolsky et al.", 1971) tenemos hoy a Santiago Sierra (y antes a Andrés Serrano) especulando con la imagen de los sin papeles y las prostitutas (a 24.000 euros la copia fotográfica de sus retratos). Y donde Richard Serra instalara su Tilted Arc (1981, desmantelado en 1989), tenemos hoy las inexpugnables cabezas gigantes de Manolo Valdés, enésima treta mercantil auspiciada por la Fundación La Caixa en la cada vez más falible capital catalana.

En su ensayo Sombras de la ciudad (Alianza, 2007), Iria Candela describe el proceso de desplazamientos, desahucios y disolución urbana que precedió al boom constructivo de la Gran Manzana. Los trabajos de Warhol (Thirteen Most Wanted Men, 1964) o las fotografías de Weegee mostraban las sombras más oscuras de la gran ciudad, que escondían acontecimientos igualmente cotidianos pero que las autoridades se esforzaban en mantener ocultos. "La metáfora de las malas calles tenía un sentido más amplio, pues también les servían para mostrar la fragilidad inherente al espacio público, falazmente entendido como un espacio social plural consensuado y, por tanto, la posibilidad real de resistencia a su poder de dominación", sostiene la autora. Aquel mural colocado en la fachada del New York State Pavillion con la imagen de 13 fugitivos de la justicia funcionaba como "una pancarta reivindicativa de un espacio público heterogéneo abierto a la diferencia, a la aceptación de aquellos sujetos que, por razones de género, sexo o ideología, eran criminalizados dentro de él" (la propia condición de fugitivo de la sociedad de Warhol enlaza con la ambigüedad que sugiere el título de los hombres más buscados o "más queridos", wanted).

Francesca Gavin, en su libro Creatividad en la calle. Nuevo arte underground (Blume, 2008), defiende la existencia de una nueva tendencia creativa de "interrupciones callejeras" heredera de los situacionistas. "La razón por la cual hoy la obra de estos jóvenes artistas es importante es porque fuerza al público a ser consciente y a interactuar con el mundo que le rodea. En una cultura dominada por un exceso de medios sensacionalistas, insustanciales y de usar y tirar, y por una cultura virtual, el mundo físico, real, tiene que reafirmar su presencia (...). La calle es el único lugar donde sabemos que algo es real". Gavin elabora una lista de los 30 principales que trabajan en las grandes urbes con técnicas a menudo de "bloqueo". Algunas propuestas son sencillamente esteticistas, otras más poéticas. Pero prácticamente todo ya había sido inventado hace tres décadas.

Los maragatos (LED throwies) de uno de los más importantes grupos frikis del grafiti, Graffiti Research Lab, son dibujos "brillantes que compiten con la publicidad y sólo se hacen visibles por la noche". "Sólo hay que juntar un LED, una pila y un imán con cinta adhesiva. Duran una media de tres semanas y son piezas abiertamente políticas, contra el Gobierno de Bush y sobre la idea de qué es lo público y qué lo privado", explican. El trabajo de los GRLab se expuso hace unos meses en el MOMA y remite a las proyecciones de Krzysztof Wodiczko para Union Square (The Homeless Projection: A proposal for the City of New York, 1986) y que nunca obtuvieron el permiso del Consistorio para ser proyectadas. En ellas, el artista polaco (1943) criticaba abiertamente la llamada gentrificación urbana; los monumentos escultóricos de George Washington, Abraham Lincoln y el marqués de Lafayette debían aparecer, de la noche a la mañana, convertidos en contramonumentos o esculturas nómadas que representaban a los homeless condenados al espacio abierto a vivir ante el público. Los sin techo compartían con los prohombres de América la condición pasiva de los "sin hogar de la historia".

El nuevo grafitero, Robin Rhode, combina el dibujo a carboncillo sobre la pared con la performance. Su serie Playground fue concebida en las esquinas de las calles de Johannesburgo para reemplazar virtualmente los parques infantiles sumidos en el abandono. El trabajo de Rhode es defendido por una potente galería neoyorquina. Otros artistas callejeros juegan con las señalizaciones de tráfico (Cayetano Ferrer, Knitta, Leopold Kessler), con pintadas hechas con plantillas (Influenza), grafías (Eine) o intervienen en las vallas publicitarias (Cut Up). Dan Witz, el abuelito de la escena artística callejera, empezó a pintar colibríes sobre viejas paredes. En la fachada de una casa juega con las tres ventanas (como si fueran dos ojos y una boca) y sitúa un gran balón rojo a la altura de la nariz. Una payasada. Matta-Clark se jugaba el pellejo en el Bronx saboteando o cortando trozos de edificios abandonados. Le persiguieron los polis y las bandas callejeras. Las propias autoridades locales demandarían al artista y le pedirían hasta un millón de dólares de compensación por los daños ocasionados en un inmueble de un muelle abandonado de Manhattan. Nunca hubo artista que igualara a Matta-Clark en violencia y compromiso. Su ejemplo es el más radical de site-specific y el que difuminó los límites de lo que era legítimo o no en el arte.

Originalmente en Babelia.

BORDILINEOS#3 en Porto (Portugal)

2008-06-13T16:58:00.000-07:00

LaTejedoraCCEC y ACA, en esta ocasión con el colectivo luso Forma Cita, presentan la tercera entrega de BORDILINEOS De onde vimos? Para onde vamos? Não há desconto para grupos?, muestra cuyo hilo conductor entre las diferentes piezas es la ironía como recurso.

Inaguración el sabado 14 de Junio a las 20:00 h en el Espaço Jup - Rua Miguel Bombarda nº 187 de la ciudad de Oporto. Dense prisa en acudir! se mantendrá hasta el día siguiente, ¡secado rápido!

Los artistas que participan en esta ocasión son:

AdredeyAposta.
Lucas Agudelo.
Carmen Álvarez.
Lucia Antonini.
Mariana Caló.
Alfonso Escudero.
Elena Gaztelumendi.
Martí Guillem.
Fermín Jiménez.
Jorge López.
Martín López.
Miguel Noguera.
Jorge Parras.
Sara Pereira.
Francisco Queimadela.
Beatriz Sánchez.
Giancarlo Scaglia.
Salvatore Tutti.

Con la incorporación de Joan Fontcuberta y la artista coreana Yeun Hee Kim.

Masa Maxima Autorizada M.M.A

2008-06-11T04:39:00.000-07:00

CONSEGUIEREMOS SUPERARLA!!!
OS ESPERAMOS A TODOS CON VUESTRAS OBRAS EL PRÓXIMO VIERNES 13 DE JUNIO DE 11,00h a 20,00h

El arte digital español se inspira en Ramón y Cajal.

2008-06-09T09:05:00.000-07:00

Santiago Ramón y Cajal quiso ser pintor pero finalmente se decantó por la ciencia. Lo que no imaginaba es que sus descubrimientos pudiesen inspirar un siglo después una exposición sobre lo último de la creación española en arte digital. Banquete-nodos y redes es el título de esta muestra que puede verse hasta el 3 de noviembre en Laboral Centro de Arte y Creación Industrial y que reúne una treintena de obras en las que arte, sociedad y tecnología se dan la mano al tiempo que reflexionan sobre las redes de intercambio de información.

"Queríamos rendir un homenaje a Ramón y Cajal", explica la comisaria de la exposición, Karin Ohlenschläger. En concreto, querían recordar su revelación sobre el funcionamiento de las redes neuronales, no como sistemas cerrados, si no como sistemas siempre abiertos y cambiantes. Hoy en día, gracias a los descubrimientos tecnológicos, está claro que la vida y la información funciona como estas redes, todos podemos modificarlas e intervenir en su circuito, y sobre estos planteamientos gira la muestra del centro de arte de Gijón.

El colectivo Platoniq, por ejemplo, ha ideado un sencillo sistema de intercambio de saberes llamado Banco Común de Conocimiento en el que cada uno puede aportar lo que mejor sabe y a la vez demandar sus carencias prescindiendo del carácter comercial de sus transacciones. Ya lo han probado en Barcelona, donde se impartían clases e intercambios entre los interesados, y creen que puede funcionar en esferas más amplias.

Una televisión en Salvador de Bahía

Sobre esta misma idea de compartir conocimiento gira la propuesta del grupo NeokinokTV TVlata. Su proyecto está a medio camino entre solidaridad, arte y tecnología, ya que se han decantado por enseñar a niños y jóvenes de una favela de Salvador de Bahía a montar su propia cadena de televisión para que sean ellos los que controlen los mensajes que quieren ofrecer.

Como cuenta Daniel Miracle, coordinador del grupo, "los primeros guiones que realizaron eran sobre atracos, policía, drogas...porque esos son los temas que aparecen en los medios de comunicación sobre las favelas. Sin embargo, poco a poco fueron surgiendo temas más positivos".

Pero estos no son los únicos temas que protagonizan Banquete_nodos y redes. Konic Theatre crea un juego interactivo sobre los movimientos migratorios para hacer pensar sobre el protagonismo de Europa a nivel mundial. Joan Leandre rinde un homenaje a los hackers de los noventa y "los graffiti que dejaban en los códigos para desbloquear programas", como él mismo explica. Mientras, el grupo Aetherbits utiliza el material creado por usuarios de internet a través de webs como Flickr o MySpace para organizar una base de datos muy particular.

"Madurez y prosperidad"

Fotografías, vídeos, instalaciones y experimentos tecnológicos muestran las investigaciones de la treintena de creadores que participan en Banquete_nodos y redes. Todos ellos ofrecen una buena representación de lo que actualmente se está haciendo en España en torno a este tema en arte digital, pero sin renunciar al diálogo con la ciencia y la tecnología, con biólogos, antropólogos y arquitectos.

Influenza, Marcel.lí Antúnez, José Manuel Berenguer, Pedro Ortuño, Daniel Canogar o Evru son otros de los artistas participantes.

Desde su creación en los años 90, el proyecto Banquete explora las posibilidades de diálogo entre arte, ciencia y tecnología. Si en otras ocasiones ha mostrado los último en creación digital, la comisaria ha querido centrarse esta vez en lo que se está haciendo en nuestro país ante el buen momento que vive este campo.

"La creación digital en España está muy desarrollada y tiene una proyección internacional muy importante. Vivimos un momento de madurez y prosperidad y vale la pena hacer esta radiografía".

Tras su parada en el centro de Gijón, la muestra Banquete_nodos y redes viajará a Austria, al centro ZKM de Alemania (uno de los más importantes del mundo de arte digital y que por primera vez muestra una exposición centrada en la creación española) y probablemente también a Latinoamérica.

ADN.es

Arquitectura móvil para un conocimiento flexible, entrevista a Paco González

2008-06-02T19:31:00.000-07:00

por Lorenzo Sandoval

A finales de marzo, después de la maratón de Infraestructuras emergentes ,nos quedamos con ganas de más. Así que nos acercamos a Sevilla a visitar a los recientes compañeros que habíamos invitado a participar en IE y a asistir al taller de Ni rastros de Carmín impartido por PTQK (que estrena blog! felicidades y suerte con el gran hermano) en la 10ª edición del Zemos98, dónde se ofrecía un interesante panorama de talleres, conferencias, conciertos y un montón de reclamos irrechazables en torno al lema de Regreso al futuro.

Entre las varias cosas que nos llevamos de esta 10ª edición (impagable la conferencia de José Luis de Vicente de la que nos quedamos con la idea de pensar el futuro para influir en su desarrollo, así como la de Wu-ming -antiguos Luther Blissett-, que señalaban, entre muchas cosas, la importancia de la participación en las narraciones colectivas o Laurence Rassel -del colectivo belga Constant- que hacía hincapié en el uso del software libre por parte desde un planteamiento local para potenciar relaciones de colectividad) nos gustaría resaltar el interés de la arquitectura efímera, móvil, económica, ecológica con la que Paco radarq.net solucionó el espacio; arquitectura que hasta el mismo Geert Lovink (una de las figuras más importantes en la crítica del net-art y director del INC), como PTQK reseñaba, elogió.

Movimos por el interés suscitado por el trabajo de Paco, os dejamos esta entrevista que le hemos realizado.

Lorenzo Sandoval: En la 10ª edición de Zemos98 presentas una arquitectura efímera, móvil, adaptable, económica, ecológica… ¿en qué sistemas de producción y distribución te has inspirado?

Paco González: El proceso ha sido más bien inductivo. No logro descifrar el momento en el cual surgió el referente o los referentes que me inspiraran, y que a partir de ahí se deduciera el resto. Es lo que trato de explicar en el texto de re-encajando ideas. Existen dos o tres conceptos que si puedo distinguir. Por una parte, el espíritu de "Do It Yourself" por hacer abordable desde el punto de vista económico-constructivo el montaje. La experiencia de la gestión de residuos de otros montajes / desmontajes, observando que para eventos temporales el consumo de material y energía es intenso y que hay que dar respuesta a este gasto, con reciclaje, reutilización, etc. . La búsqueda de sencillez en no generar gestos innecesarios, y resolver los programas y usos de la manera más efectiva y directa, sumado al mismo tiempo con el uso de un elemento que se repite (la caja), que te dota de flexibilidad en las soluciones.

Por otra parte, la propuesta se sitúa en “lugares comunes” de determinados sistemas de producción y distribución. Es el caso de arquitecturas efímeras que sirven como refugio en el caso de desastres. Éstas aprovechan el material que habitualmente se desecha, recicla o reutiliza en otras situaciones: el cartón de las cajas, los palets de madera, el plástico que sirve de packaging, etc. . Si bien no era esta una intención inicial, sí que se pueden hacerse esas lecturas: Mar Villaespesa – coordinadora junto con el colectivo en el caso de los Encuntros Regreso al Futuro - recordó el caso del una propuesta de 1981 del MIT (Massachusetts Institute of Technology) de casas refugio de papel; o un caso que se ha publicado reciéntemente en Dezeen: Pallet house by I-beam .

LS:Una idea muy interesante que planteas con este diseño es la (re)distribución del conocimiento a través de los contendedores vacíos construidos con las cajas, es decir, el espacio como hoja en blanco y el conocimiento como palimpsesto sobre este. Me viene a la cabeza la relación de algunos claustros románicos en cuyos capiteles estaban inscritas partituras musicales… ¿Cómo determinarías la relación entre espacio y conocimiento?

PG: El espacio entendido como soporte de actividades, usos, flujos, hoy día no puede referirse a la concepción estática y congelada en el tiempo de la arquitectura clásica tal y como haces referencia en los claustros. No es un espacio determinado, es un campo de donde concurren vectores tangibles y no tangibles ( precedido por http://www.zemos98.org/reclaimthespectrum/ ). Mar Villaespesa, planteaba en las primeras reuniones que la arquitectura del espacio no debía ser "estática", lo cual entra en contradicción con cualidades que la arquitectura (estabilidad, seguridad, etc.) pero que apunta a una de las crisis actuales de la arquitectura: su "inmovilismo". Retomando entonces el concepto de soporte, la arquitectura debía soportar los tangibles del espacio personas, mobiliario, proyecciones etc. pero también los intangibles, debía ser soporte del conocimiento como en los claustros, la arquitectura del movimiento moderno, etc. Pero no debía ser un soporte "de autor", tenía que ser un soporte donde los usuarios pudieran sentirse libres y dar contenido a esa arquitectura mostrando lo que ocurría en ese espacio, tenía que ser una arquitectura que se transformase junto al espacio.

LS: ¿Piensas que hay una crisis de los formatos arquitectónicos en relación a la arte, que las estructuras de difusión y espacios de conocimiento, por ejemplo aulas, museos o centros de arte, deberían ser espacialmente menos fijos, más adaptables?¿Debería haber más contaminación entre arte y arquitectura?

PG: En general un sentido de crisis casi constante pertenece al mundo que vivimos. La arquitectura no escapa a esto, al igual que otras disciplinas. El proceso de transformación y cambio que vivimos destapa contradicciones que antes se aceptaban como la solución, desde la verdad teológica a la científico-técnica, pero que ahora se demuestran incapaces de responder a los retos actuales. Contestando a tu pregunta, la arquitectura (aulas, museos, centros de arte) y la ciudad han de responder mejor a los cambios, eso sólo se hace dotándola de flexibilidad, lo cual es un reto pero no un imposible.

No creo en las disciplinas estancas. Cuando hablamos de arte y arquitectura siempre hay un campo que comparten, pero al igual que con la sociología, la economía, la antropología... . Lo que si me gustaría diferenciar es la arquitectura de la industria asociada a ella, el ejemplo no es distante a quienes hacen arte cuando hablamos de la cultura y la industria de la cultura. Existen procesos que sin negar que puedan ser valorados como arquitectura o arte están más vinculados a criterios economicistas, incluso especuladores, que a criterios propios de sus disciplinas. Tampoco significa esto que la arquitectura o el arte ignoren la economía, para enfrentarse, modificarla o aprovecharla hay que conocer como funciona.

LS: En muchas casos, la generación de estos espacios efímeros o nómadas propicia procesos participativos como parte integrante de los proyectos artísticos. Pero, ¿cómo incluirías dentro de este tipo de espacios proyectos artísticos más basados en una concepción objetual, con obras autónomas de carácter más clásico? ¿Crees viable una integración entre ambos tipos de planteamientos?

PG: No creo en una concepción del mundo dual. No creo que haya un par de términos opuestos que describan la realidad. Es difícil escapar a este tipo de pensamiento simplemente por el hecho de que hemos aprehendido eso durante milenios: la noche y el día, la vida y la muerte, el calor y el frío. La posición que encuentro más verosímil en la actualidad es la construcción del conocimiento por capas, y estas capas no son estratos estancos ni bidimensionales, son campos en los que existen interconexiones. De esa forma, los espacios efímeros (City Scape Arne Quinze Bélgica) pueden ser igual de objetuales que cualquier otra obra. Y cualquier obra de formato más "clásico" pueda integrarse en lo efímero. Lo que ocurre en mi opinión es que dentro de lo clásico existen valores de permanencia, de lo establecido, casi de patrimonio colectivo, y no creo que sea el creador o artista el que dote de esos valores a la obra, lo hace como siempre la sociedad (Nam June Paik , vía ). Son ejemplos de arte que no tiene un formato clásico pero atesoran hoy en día esos valores.

LS: Revisando la historia de Zemos98, es un festival que partía de una clara vocación audiovisual muy marcada por la aproximación al cine y a la música, y que poco a poco ha ido abriéndose hacia la generación de conocimiento libre e inteligencia colectiva y el análisis de problemáticas sociales en un acercamiento cada vez mayor hacia la transversalidad de planteamientos que ciertas estrategias del arte permiten. ¿en qué factores determinarías la adaptación desde ese desdibujamiento del concepto del festival hacia lo artístico la adaptación de otros sistemas de (re)producción, difusión y (re)distribución cómo el Just in time o el almacén de Amazon del que hablabas en el artículo que escribiste en Zemos98?

PG: Conozco el festival desde su cuarta edición, y siempre ha tenido un carácter transversal e interdisciplinar. Recuerdo danza, pintura, música, vídeos, espectáculos, etc. En mi opinión el uso de la palabra festival es por utilizar denominaciones comunes a lenguajes más establecidos, la palabra festival puede acoger muchas actividades, y es más flexible y transmisible que otras.

Respecto de la adaptación a otros formatos más contemporáneos que no se ajustan al concepto más convencional de "festival", hay que decir que cada año se reformula lo que se va a hacer en el siguiente. Lo que aparentemente es un handicap, termina un festival e inmediatamente se ponen a proyectar el otro, se convierte en un proceso constante de investigación "learning by doing". Así cuando revisas la trayectoria del "festival" encuentras que existe un proceso, y ese proceso es el que ha dado como resultado el formato de la última edición: palimpsesto, remezcla, conocimientos comunes, etc. Este conocimiento, en el mundo actual, no puede permanecer "cerrado" y "establecido", no es el conocimiento de unos pocos, es la producción de todos, su difusión descentralizada y su redistribución es entre todos.

LS: En relación a la pregunta anterior, ¿qué relaciones formales y de autoría crees que se pueden dar entre procesos económicos y creativos?

PG: Si te refieres a que una producción creativa basada en procesos económicos es una construcción de autoría compartida, entiendo que sí. Pero, ¿qué autoría no lo es?. El mito de “la creación ex novo” opino que deviene del entendimiento de la realidad como hecho mítico - “vino el creador y creo todas las cosas” -, y una cultura que ha promovido el éxito artístico como una forma de divinización. Anécdotas de que los propios creadores no creían en esa divinización hay varias, aunque se pueden ejemplificar en la de “la inspiración te tiene que coger trabajando”. Siempre las creaciones e invenciones están en relación con su tiempo y con la interpretación de lo social, lo económico, los medios de producción, etc. , es el mercado quien ha promovido esa “limitada oferta creativa” para que la relación con la demanda beneficie el valor de cambio (el dinero, la ganancia monetaria) frente al valor de uso (ej. difundir, aprender, comunicar).

Retomando la pregunta en relación con la anterior. El hecho de la elección de un material de fácil producción, de bajo coste, que se usa en los modelos de distribución logística contemporánea – caso de la imagen Amazon -, como son las cajas de cartón no hizo si no simbolizar el propio hecho efímero y de redistribución del conocimiento que se produjo en los Encuentros Regreso al Futuro de ZEMOS98.

Ya sin referirme al propio montaje, la relación entre procesos creativos y los eminentemente productivo–económicos es posible, y creo que es un lugar donde las propuestas artísticas tienen un campo dónde hacer reflexionar a la gente, dónde criticar el sistema establecido y sus zonas “oscuras”.

LS: Para concluir, y retomando conceptos que parecen retomados por tu diseño arquitectónico en Zemos98 como el de zona temporalmente autónoma de Hakim Bey o la creación de situaciones de la IS, ¿piensas que puede haber una inclusión real dentro de un espacio institucional de ese tipo de procesos dónde hay una serie de modos de hacer y unas normas muy rígidas de comportamiento?

PG: Puedo entender que lo que ocurrió en los encuentros se acerque a una TAZ, no lo entiendo como un acto situacionista. La prueba de que es viable probablemente sea que la sensación que nos comunicaron los participantes en los talleres es cercana a esa libertad espacio temporal de las TAZ. Hoy día las grietas del sistema en dónde pueden darse las TAZ no tienen porque ser lugares periféricos, pueden darse en lugares tan centrales como una institución de arte. Lo que también me gustaría destacar es que sí había una búsqueda para hacer libres a los habitantes de los talleres, pero como potencial no como certeza, de forma que el espacio pudiera soportar esos usos y actividades. Creo que la TAZ emergió en el momento en el que los habitantes de los talleres hicieron uso de esa libertad, que sí es cierto que habitualmente está controlada en ambientes institucionales.

*para conocer como se realizó la arquitectura del Zemos98, visita el artículo Re-encajando ideas escrito por el propio Paco radarq.

*la mayoría de las imágenes de la entrevista de Blancagc

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Paco González es arquitecto, tras colaborar para otra firma se
independiza hace tres años y comienza a trabajar en encargos
relacionados con la cultura: exposiciones y montajes de eventos.
Colabora con ZEMOS98 desde hace 5 años y ha realizado
los montajes de su sede en el Centro de las Artes de Sevilla en las
tres
últimas ediciones del festival:
octava
edición,
novena
edición,
y décima
edición.
Otros trabajos suyos se pueden encontrar en
flickr.com/radarqnet

Actualmente está terminando de materializar el proyecto para establecer
un estudio online: www.radarq.net . radarq.net es un estudio abierto que
trabaja e investiga sobre arquitectura, red y ciudad. radarq.net es
abierto, tanto a contenidos como a colaboradores, en el sentido de
conocimiento compartido (open knowledge, open software, Creative
Commons, etc.). radarq.net tendrá una publicación "blog", así como una
zona de proyecto y trabajo mediante un wiki, así como una participación
en diferentes redes sociales como flickr, delicious, blip.tv, twitter.

Del (no) saber y del poder

2008-06-02T12:09:00.000-07:00

Se rieron mucho, sobre todo los más veteranos de su partido, cuando la recién estrenada consellera de Cultura reconoció que “No sabía qué hacer con el Teatro Romano de Sagunto”. A priori no faltaban motivos para el bullicio puesto que sus antecesores habían esquivado el tema durante 17 largos años y la inocente respuesta hacía temer lo peor. Contra todo pronóstico, Trinidad Miró, profesora de danza de profesión y con poca experiencia en la política de altos vuelos, supo afrontar su ignorancia con sensibilidad y sin complejos, consultando a quienes más sabían sobre el tema. Siguiendo las indicaciones de los más doctos convocó una comisión interdisciplinar y, además, consiguió reprimir la inicial tentación de enrocarse en el tradicional autismo de quienes ostentan la mayoría absoluta. Aquella rectificación, que permitió la incorporación en última instancia de la Academia de Bellas Artes a una comisión en la que legalmente no resultaba imprescindible, es la que, de forma paradójica, más credibilidad otorga al dictamen final. Una resolución que, con toda la razón del mundo, solicita la inejecución de una sentencia que con el paso del tiempo ha quedado desfasada. Y aunque el caso aún no está definitivamente cerrado, pues falta que el Tribunal Supremo de Justicia de la Comunidad Valenciana atienda esta nueva propuesta, sí que sirve el ejemplo para recordar que el primer paso hacia la sabiduría está en el reconocimiento de la propia ignorancia, tal como el maestro Sócrates enseñaba a sus discípulos cuando afirmaba: “Sólo sé que no sé nada”.

En el extremo opuesto de este fecundo “no saber” se encuentra el dudoso mérito del Consell Valencià de Cultura (CVC) cuando insiste en destacar, en su memoria anual, que Valencia está llena de esculturas más bien feas. El problema, en este caso, no radica en que el diagnóstico sea errado, dado que son muchos los elementos ornamentales y monumentales que resultan cuestionables en nuestra ciudad. El conflicto surge porque, siendo acertado el análisis, en las conclusiones no se proponen fórmulas susceptibles de prevenir futuros desmanes y, en el peor de los casos, se limitan a reclamar quirúrgica vendetta sobre lo que ya está comprado, instalado y pagado. Otro despilfarro, que se superpondría sobre el primero, sin otro beneficio visible que el de vaciar unos espacios que muy pronto se querrán volver a decorar –y sin ninguna garantía de verdadera mejoría.

Es todavía posible, sin embargo, impedir una nueva muestra de inculta barbarie, puesto que la destrucción del histórico barrio del Cabañal aún puede paralizarse. La batalla legal ha concluido de forma favorable para el Ayuntamiento de Valencia pero, como en el caso del Teatro Romano, la posesión de la razón judicial no evita que esa actuación sea, ahora mismo, una absoluta e innecesaria aberración (no sólo) estética. En este aspecto me gustaría escuchar la voz de los cultivados miembros del CVC, de la actual consellera de Cultura y de todos los que teniendo el suficiente conocimiento y sensibilidad, así como la capacidad real de aconsejar sinceramente a la alcaldesa, pueden y deben intentar que el conjunto de los valencianos no pierda una parte importante de su memoria colectiva. Nuestra ciudad no será mejor, ni más moderna, arrasando completamente los poblados marítimos; y el prestigio personal y político de Rita Barberá no saldría perdiendo, sino ganando, en caso de rectificar a última hora su postura.

* United artists from the Museum

Domingo Mestre

United artists from the Museum

La mejor boda del del año!

2008-06-02T05:32:00.000-07:00

Muchas felicidades!

Sobre algunos aspectos del cine y la fotografía

2008-05-27T17:33:00.000-07:00

Sobre algunos aspectos entre el cine y la fotografía - Upload a doc

Con este texto que escribí hace algún tiempo, inauguramos "espacio de publicación", para textos que vamos realizando y que se van quedando grabados por algún sitio sin acceso, entrevistas, etc.
En este pequeño artículo trato sobre algunos aspectos compartidos por el cine y la fotografía partiendo de la idea de reproducibilidad técnica de Benjamin planteando la imagen contemporánea como un sistema polisémico, que atiende al contexto donde se sitúa, que le viene dado del paso de una imagen a otra.

"El rodete mes gran del mon" versión pdf.

2008-05-19T19:00:00.000-07:00

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Por primera vez este proyecto se presenta al publico, y en que mejor lugar que hacerlo en la calle... la semana pasada presentamos el proyecto "El rodete mes gran del món" a Art Public.

Exposiciones de TejedoresCCEC

2008-05-12T14:58:00.000-07:00

Esta semana tenemos el honor de anunciar sendas exposiciones de dos miembros del colectivo, Juanli Carrión y Noé Bermejo. Que bien!!

Aquí os dejamos fechas, lugares y hora de inaguarción para que asistáis. Allí os vemos!

Cartografías del retrato:

Noé Bermejo,

Anita Ceballos,

Carmen Cifrián yEsther Señor

Comisario de la Exposición : Isabel Tristán

15/05/2008 | 14/06/2008

Galería del Instituto francés

C/ Moro Zeit,

Cartografías del retrato, es un proyecto donde confluyen cuatro artistas bajo la idea del retrato en su imagen más cercana, la propia: El Autorretrato.
Noé Bermejo construye su andamiaje de lo personal a través de la fotografía de familia, donde la fotografía se convierte en el escenario que da cabida a narraciones que -inevitablemente en primera persona- parafrasean lo relativo a una identidad sostenida desde la ironía, el sentido del humor y un exhibicionismo en el que el cuerpo y la cara se convierten en una “reconstrucción/ deconstrucción del yo”.
Carmen Cifrián y Esther Señor comparten sus identidades para materializar y dar forma a una tercera entidad, un desconocido, un autorretrato mutuo. Creando un cuerpo mágico, oscilante entre lo bello y lo monstruoso, que las convierte en protagonistas de unas imágenes auto referenciales donde coinciden el contemplador y lo contemplado.
Para Anita Ceballos, como para todos, la casa es un signo de vida. Las diversas casas habitadas por Ana, con sus vivencias y memorias, le sirven para elaborar su Cartografía de intimidad. Un autorretrato que se va conformando desde el propio objeto que habita el espacio, para pasar al análisis de ese espacio escindido del mundo exterior que es el hogar, hasta llegar a un mapa en el que se despliega ese exterior, situando cada etapa vital como un país, y las vivencias de exterior que rodean a la casa, convertida esta vez, en un libro de artista.

Anita Ceballos Cristóbal nació en Sopelana (Vizcaya) en 1981. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco/ Euskal Herriko Unibertsitatea en 2005. Máster oficial de posgrado en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia en 2008. Ha participado en diversas exposiciones colectivas nacionales e internacionales como: Getxoarte. Feria de las Artes Emergentes, Getxo (Vizcaya), 2005; Impresiones urbanas. Ciudad prohibida. Tsinghua University. Beijing (China), 2007; Schmatte Couture. Ben Uri Gallery. Londres (Reino Unido); Retrato hablado. Santiago de Chile en 2008.

Carmen Cifrián Pérez, nacida en Valencia en 1981. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en el año 2006. Durante su ciclo formativo cursó estudios en la Kymenlaakso Polytechnic , Finlandia (2004/2005) y en el Alberta Collage of Art & Design, Canadá (2005); durante los cuales siguió realizando sus proyectos artísticos junto con su compañera Esther Señor García. Más recientemente ha cursado el Máster oficial de posgrado en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia (2007).

Esther Señor García, nació en Zaragoza en 1982. Realizó sus estudios de Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia, licenciándose en el año 2006. Durante sus años de formación estudió en la Kymenlaakso Polytechnic , Finlandia (2004/2005) y en el Alberta Collage of Art & Design, Canadá (2005); donde continúo su cooperación artística junto con su compañera Carmen Cifrián Pérez. En el año 2007 ha finalizado el Máster oficial de posgrado en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia.

El próximo viernes día 16 de mayo a las 20:00h Juanli Carrión os invita a la inaguración de su exposición "comida, peces, trozos de mi cuerpo..." en

el Centre Civic Antic Sanatori del Port de Sagunt.

Proyecto bostezo

2008-05-11T18:00:00.000-07:00

El viernes 16 de mayo a las 20:30, los amigos del proyecto bostezo hacen la presentación de la revista en Matgazems; es un proyecto prometedor y jugoso en el que ya estamos viendo como colaborar.

La info que nos pasan:

¿QUÉ? organizamos una fiestecilla-presentación del anteproyecto de la revista Bostezo.

¿CUÁNDO Y DÓNDE?: el próximo VIERNES 16 de mayo a las 22.30 en la Galeria Magatzems (C/Turia, 53. Valencia)

¿CÓMO? Habrá un performance del Héctor Arnau, la presentación del video de la revista realizado por Artegafia, además de tragos-música-cotorreo y lo que se tercie. Presentado-amenizado por la espectacular Daría Barbate

¿POR QUÉ? porque queremos reunir a los colaboradores-as de la revista además de a todas todos aquellos interesados en invloucrarse de alguna u otra forma en la gestación de una revista cultural en la enrevesada ciudad de Valencia

¿CUÁNTO? la entrada es gratuita

Larga vida a este interesante proyecto!

The cofee (break) 2008

2008-04-24T03:48:00.000-07:00

Desde Amasté nos llega la siguiente jugosa info:

the coffee(break)

¿Quieres ser un croissant?
Cáceres, 13 y 14 de junio
http://www.thecoffeebreak.biz

Un año más colaboramos con el Gabinete de Iniciativa Joven de Extremadura en la organización de the coffee(break), un encuentro que pone en relación a personas que se encuentran en distintos puntos del sinuoso camino que une imaginación y negocio.

Por qué SI a the coffee(break)

Ahora que está tan de moda todo esto de la creatividad y el I+D+i y que hay tantos eventos por todas partes, uno/a puede llegar a desorientarse y pensar que todo es lo mismo. Pero nosotros queremos pensar que no y por eso seguimos haciendo nuestra apuesta personal por the coffee(break). Un encuentro relacional -organizado desde una región periférica, pero adelantada en muchos aspectos- donde lo importante no son los grandes gurús internacionales y sus supuestos discursos geniales, sino las relaciones informales entre personas procedentes de ámbitos profesionales de los más diverso, que trabajan con la imaginación como materia prima. Relaciones alrededor de un café, donde puedes encontrarte con nuevos/as socios/as, amigos/as, gurús anónimos (y no tan anónimos), gente con ganas de conocer a otra gente, de mezclarse...

Nosotros hemos participado en las dos ediciones anteriores y siempre hemos vuelto con las pilas cargadas. Así que, una vez más os animamos a que os apuntéis. Además, the coffee(break) es un evento pensado y gestionado desde lo público y con vocación pública, donde el mismo precio está pensado no para excluir y restringir el acceso (al conocimiento y las relaciones, y por tanto al poder), sino para incluir. Si te apuntas antes del viernes 16 de mayo sólo te costará 100€.

Este año desde AMASTÉ nos ocupamos de la imagen (para ser justos, hay que decir que la creatividad la pone Seba Domato) y también de los cruces entre los croissants participantes. Así que ya sabes, si te apuntas y para que podamos prepararte unos buenos cafés... ¡¡CÚRRATE BIEN LA FICHA!!

Un saludo y NOS VEMOS EN CÁCERES!!

http://www.thecoffeebreak.biz

Los Lolos

2008-04-23T04:28:00.000-07:00

Fun at work!

Andy Warhol

La gran masa arrasa

Los lolos se salen! Que hagan ya un club de fans!

Conferencia en BBAA de Valencia

2008-04-21T02:11:00.001-07:00

Y además del taller LaFurgoneta_espacio en tránsito, el día jueves 22 a las 16:00, hablaremos de nuetros proyectos dentro de la jornadas de la semana cultural de Bellas Artes de la UPV, organizadas por la Delegación de alumnos.

Allí os esperamos café en mano!

Bajo los adoquines hay playas, y sobre el asfalto una fina capa digital[*]

2008-04-19T06:19:00.000-07:00

En el blog de Catarqsis, hemos topado con una muy interesante conferencia de Juan Freire en la que partiendo del análisis de los conceptos del común y el procomún, plantea una relación entre diferentes formas de distribuir el espacio mediante algunos modelos de arquitectura efímera con un acercamiento crítico al sistema de las redes digitales.

Es una conferencia larga, pero merece la pena verla al completo.

Intenta desmoralizar el discurso al no demonizar el capitalismo, la aportación privada( que como bien dice, está aportando gran parte de la actividad del espacio público tanto físico como virtual ,y a la educación) o el mercado(que deviene conversación cuando los intermediarios y legislaciones tienden a valores proximos a cero). Y por tanto debemos empezar a entender que el espacio público,espacio público posmoderno en sus palabras, como un Espacio Publico Híbrido, donde la publicidad, el mercado y la iniciativa privada y colectiva debe ser mirado de forma oportunista y donde las posibilidades son tan amplias como queramos que sean.Y es que entre otras cosas, el conocimiento digital ya es libre, y la lucha contra esa libertad está perdida, ya que no es una lucha contra esa libertad, sino contra el diseño del formato, que ya de por sí ha sido diseñado para ser libre, y por tanto se trataria de una lucha perdida contra el diseño(esto me encanta).
Tambien habla del temor de algunos sectores del conocimiento a la sobre abundancia de conocimiento, miedo procedente, quizás, a la imposibilidad de controlarla o filtrarla. Freire comenta brillantemente que este temor es absurdo, y que efectivamente la información es hiperabundante, y cada vez lo serás más, y que temerlo es como temer el exceso de corriente electrica o al exceso de agua, ya que la que quieres la coges el resto lo dejas correr, y que los creadores de conocimiento, ya empiezan a ser, antes que creadores, chefs de conocimiento(o bricoleur de conocimeinto como diría Maria García), en cierto modo como es él, más usadores de herramientas de conocimiento y libre uso de conceptos para nuevas recetas...¿acaso no citamos a nuestras madres cuando usamos la cebolla como ella, aunque hagamos la tortilla nosotros?

Otra muy interesante definición es la que hace de la nueva arquitectura(y arquitecto)necesario, que lo esquematiza de la siguiente manera:

Arquitectura Post-Espectacular:

-diseñar espacios de interacción física y digital.
-diseñar desde los participantes, desde los usuarios
-eficiencia y funcionalidad
-filosofia de código abierto (compratir diseños y prácticas)
-Soluciones baratas, eficiencia y viabilidad económica.

Básicamente...diseñar desde la participación en un resultado que saque a relucir la tectónica y la electrónica de nuestro entorno, que yo más bien diría lo estereotómico, lo tectónico y lo electrónico de nuestra nueva realidad.

[*]cita chef de Freire mezcla de J.Mª.Ezquiaga y Jose Pérez de Lama

Ver más pinchando aquí

imagen de Duncan Watts respecto a las estrategias virales tomada del blog de Juan Freire, nomada.blogs.com

desde catarqsis

Para finalizar, sacar uno de los muchas referencias impagables de la charla: la comparación que hace entre el festival burning man :

con las fallas de Valencia:

Simposio sobre conspiración Spectra

2008-04-17T12:51:00.000-07:00

¡Atención conspiranoicos!
¿Cansados de armar pequeñas tramas en solitario? ¿hartos de elucubrar sobre cómo cayó la torre 7? ¿Os habéis tenido que cambiar las dioptrías de ver videos en el youtube?

SPECTRA es el “1º simposio mundial sobre la teoría de la conspiración” y tendrá lugar en Valencia, en el Octubre CCC el 17, 18 y 19 de abril.
La voluntad de los organizadores, según ellos afirman, es estudiar la cospiración tanto desde el punto de vista del periodismo de investigación como desde el de la "Conspiranoia" (fantástico término que todo lo abarca). El repertorio es bien variado.

Lo malo es que ya ha empezado hoy; lo bueno es que aún dura dos días más, hasta el sábado 19, y de lo mejor de todo es que mañana viernes a las 20:30 dará una conferencia el siempre bien recibido Joan Fontcuberta.

Aquí está el programa.
+info en la web del Spectra.
No os lo perdáis.