Madrid Abierto 09

La Asociación Cultural Madrid Abierto abre el plazo de presentación de proyectos para la 6ª edición de su programa internacional de arte público (www.madridabierto.com), que tendrá lugar durante 2009 y 2010. El programa desarrollará un ciclo de debates sobre arte público y producirá una serie de intervenciones de carácter efímero o temporal en el centro de Madrid, cuyos autores serán mayoritariamente seleccionados a través de esta convocatoria abierta. También se realiza una convocatoria específica para trabajos sonoros y se incluye la colaboración con el proyecto Intervenciones TV para obras audiovisuales.

MADRID ABIERTO está organizado por la Asociación Cultural Madrid Abierto, promovido por la Fundación Altadis, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, y cuenta con la colaboración de la Fundación Telefónica, ARCO, La Casa Encendida, Ministerio de Cultura, Radio 3 de RNE, Canal Metro, Círculo de Bellas Artes y Casa de América.



Esta será la sexta edición de Madrid Abierto y sigue teniendo tan buena pinta como las anteriores. La convocatoria ya está abierta hasta el 10 de septiembre. Hay tres modalidades:
intervenciones en el espacio público (dan hasta 15000 euros por proyecto-ou yeah!), obras audiovisuales (500 euros) y trabajos sonoros (500 euros). La muestra tiene lugar en febrero durante Arco.

Las bases las podéis encontrar aquí.

Visita comentada por Álvaro de los Ángeles en Herramientas del arte

El amigo Álvaro de los Ángeles nos hace llegar:

La Sala Parpalló te invita el próximo

jueves 24 de julio a las 19.00

a una

visita comentada

con el comisario de la exposición,

Álvaro de los Ángeles

C/ Alboraia 5, 46010 Valencia
Teléfono: 963 614 415

Es un proyecto en el que se han realizado una serie de talleres y una exposición de los artistas Rogelio López Cuenca, Daniel García Andujar e Isidoro Valcarcel Medina en la Sala Parpalló en los que se trabajan las relaciones entre los artistas y las instituciones con la producción y la distribución de la obra.

De entrada en la Parpalló, nos topamos con un mural en el que aparecen una gran serie de reproducciones de fotografías de pinturas famosas sobre las que se sitúan una serie de fotografías de artistas con sus modelos en pleno proceso creativo.

Tras este primer panel, hay una gran masa ordenada en estanterías sobre las que reposan una gran cantidad de cajas vacías sin la tapa superior cuyo interior vacío está recubierto por poliespán de embalaje. En cada una de la cajas, está impreso en una pequeña etiqueta el nombre de una institución artística del territorio español. Frente a estas cajas, nos encontramos expuesta en un atril una carta que Isidoro Valcárcel Medina ha hecho llegar a todas esas instituciones solicitando una pequeña colaboración para su realización de seis euros. Cada una de las cajas que han sido sufragadas por cada institución, posee otra pequeña que así lo acredita. De la gran cantidad de instituciones reseñadas por las cajas, no llega a la decena las que poseen etiqueta acreditativa.


Nos preguntamos cuales habrán sido (si las ha habido) las problemáticas que esta exposición ha planteado en torno a las nociones de propiedad pues uno de los puntos fuertes de la muestra es en torno a la autoría, para lo cuál entre otra estrategias, utilizada el apropiacionismo de manera masiva con una gran cantidad de imágenes extraídas de Internet, pero que juegan en el vacío legal de las imágenes (¿son las imágenes que son puestas sin restricciones de uso - uso activo y no contemplación pasiva - público?, ¿son públicas las imágenes en las que aparecen personajes públicos y por tanto su uso no está limitado?).

Los que puedan asistir a la visita, ahí nos vemos. La recomendamos como también la visita al blog del mismo proyecto (herramientas del arte) del que dejamos un pequeño fragmento de la entrevista de Luisa Hedo a Rogelio López Cuenca :

(...)

- El espacio público y la calle siempre han sido ámbitos de acción de tu trabajo, un supermercado, una estación de trenes o una sala de espera… ¿crees que cobra más sentido tu obra en este tipo de espacios que en la galería o en el museo?

Todo esto, las estrategias de interrupción parasitaria, las inserciones en circuitos públicos, el arte en la calle…hay también que irlo repensando. En los últimos años ha tenido lugar una transformación radical del espacio público urbano, y el arte no ha permanecido, por supuesto, al margen. Y no me refiero, claro, al redondo negocio de las rotondas y la escultura urbana y los museos al aire libre, sino a los eventos de arte público, a las intervenciones temporales, ya que la cooptación de los recursos del arte público crítico por parte de la lógica de la espectacularización lo ha hecho, por una parte, indistinguible de la publicidad comercial, y, por otra, lo ha convertido en parte del programa de producción cíclica de eventos para la renovación de la imagen-mercancía de la ciudad en la pugna por atraer los flujos de capital. Rara vez hacen estos eventos otra cosa que añadir capital simbólico para la ciudad-marca y echar leña al fuego del entretenimiento estandarizado y la disneyficación de la ciudad, colaborando activamente en la destrucción del tejido urbano y las relaciones sociales y en su sustitución por el consumo como única experiencia posible.

-Has manifestado en más de una ocasión tu gusto por lo procesual en lugar de por la obra acabada, frente a la cultura del objeto tu propones una cultura del proyecto, ¿tiene entonces algún sentido la exposición de las obras?

Son momentos diferentes. Y son roles diferentes el de los artistas y el de los museos. Se trata de que lo que llamamos “la obra” sea capaz de poner en marcha, de iniciar otros procesos. Los museos no pueden limitarse a exhibir, a mostrar la obra de los artistas: tienen que explicarla, tienen que contextualizar esos trabajos, hacerlos legibles y susceptibles de desencadenar otros acontecimientos. Un museo o un centro de arte no se puede comportar como una galería, ni ejercer de correa de transmisión de los intereses del mercado ni ser su coartada de legitimación y consagración…ni tampoco ser una fábrica de eventos espectaculares, de llamativos reclamos para el turismo o los media, de ocasiones de foto para políticos en pose de cortar cintas inaugurales. El museo tiene que recuperar su papel cívico, ciudadano, republicano, pero a la vez renunciando a la soberbia autoritaria elitista. El museo no tiene que adoctrinar, su objetivo no puede ser el de crear clientes, autómatas consumidores de exposiciones, sino ciudadanía crítica. La exposición tiene que dejar de ser la actividad central del museo… pero, ¡ay! si en algunos el centro es ¡la tienda de souvenirs!

(...)

Leer el resto.

Copycat | underground.

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Después de haber conseguido congelar la Estación Central de Nueva York en plena hora punta, la gente de Improv Everywhere ha ido un paso más allá y ha convertido el metro de la ciudad en un desconcertante espejo. Para la nueva actuación, pusieron de acuerdo a varias parejas de gemelos y les dieron instrucciones para entrar en los vagones del metro y sentarse frente a frente.

Around the wall

De los amigos de XLF nos llega la suculosa siguiente info:

Everibody say.......yeah!...............

..YEAH!!!!!!!!

Después de numerosas exposiciones individuales y muchas colaboraciones, XLF se junta al fin en combo para presentar "Around the Wall" . Es la primera vez que participan todos en un proyecto expositivo y como no podía ser de otra manera han querido darle una vuelta más al asunto.

"Around the Wall" es un juego conceptual y formal, un juego de palabras y un juego de estilos, un juego al fin y al cabo. En esta muestra se presentan 6 lienzos de gran formato y una instalación. Para la realización de los lienzos se ha procedido a emular la situación que se genera cuando se pinta una pared en la calle: "quedas con un amigo, llegas a la pared y entre los dos hacéis una pieza conjunta". Cada lienzo va estar realizado por dos artistas diferentes por lo que las piezas son compartidas.

Una reflexión alrededor del muro y de tantas paredes como ha pintado este colectivo alrededor del mundo….Y quizás al otro lado del muro puedas encontrar algo que te llame la atención; quizás un graffiti, quizás una pintura, quizás solo es el recuerdo de una buena tarde de domingo.

XLF se formaliza en Italia hace ya 8 años, entre vagones de tren pintados y botellas de limonchelo. XLF es por la Face, no es por la Fama. Vivir la vida con superpoderes, pintando en paredes, libretas y cuartos de baño. Respetando y haciendose respetar. Convirtiendo la ciudad en un taller y el taller en una ciudad. No es un crew de graffiti, es un grupo de amigos que se lo pasan bien pintando, viajando y emborrachándose juntos. De Benidorm a Miami, de Valencia a Nisesabe, desmantelando el gris de las paredes de cualquier ciudad que se interponga en su camino.

XLF son Deih, End, Xelon, Cesp, Julieta, Sr.Marmota, On_Ly y Escif

Totalmente recomendable el trabajo de los graffiteros más reputados de la ruta valenciana.
Los que puedan que no falten!

Las buenas calles * Ángela Molina

Las figuras del "arte" y la "utopía" llevan mucho tiempo entremezcladas. De su dinámica han nacido múltiples contradicciones. Mientras el arte siempre ha de inquietar, escapar de las normas y obligarnos a reconocer la importancia de tener espacios, la utopía aporta consuelo, armonía sin conflictos. Celebra el imposible impalpable. Es el transporte a un lugar apartado del mundo real exterior. Una de sus más atractivas paradojas tiene que ver con el intento del artista de desestabilizar el ideal platónico de ciudad (una urbe cerrada, ordenada) a base de lanzar sobre ella dudas tan potentes como bombas. ¿Puede el arte hacer que un espacio hegemónico esté menos seguro de sí mismo? ¿Se puede contaminar el espacio público inyectándole estéticas y usos nuevos? El joven licenciado en arquitectura Gordon Matta-Clark (1943-1978) no iba muy desencaminado cuando vislumbró la posibilidad de nivelar la altura de los edificios, incluyendo las Torres Gemelas, con el sky-line de Manhattan, pocos años después de que la pareja de artistas Christo y Jeanne-Claude proyectara convertir en crisálidas eréctiles algunos rascacielos de Wall Street (Lower Manhattan Wrapped Buildings, 1964) sugiriendo un proceso de transición física y metamorfosis de las arquitecturas del poder. Al igual que la idea de obstrucción (blockading), la técnica del embalaje había surgido de la necesidad de crear juegos espaciales, transformar algo familiar en misterioso. Pero, sobre todo, de escapar del "no lugar" alumbrado por la utopía (un tema que animó a buena parte del movimiento del 68 en Francia) para poner los pies en espacios particulares de prácticas reales. El arte necesitaba un nuevo campo de batalla. Y la ciudad se había puesto a tiro.

El arte público crea un espacio político, un ámbito donde las identidades y las ideas de conflicto y diferencia provocan una reacción en la audiencia. Nuestro combate simbólico con las operaciones económicas que se dan en la esfera pública ha conformado el tema de la creatividad en la calle, desde la "alteración" situacionista (détournement), el land-art, las tendencias site-specific, los amonumentos y contramonumentos, las street performances, el grafiti o las nuevas formas de exposición, distribución y lugares de socialización creados por la generación actual de artistas, que han transformado los recursos familiares del readymade, la colaboración y la instalación.

Pero el ascenso del neoliberalismo durante las dos últimas décadas barrió casi por completo cualquier objeción artística en el espacio público. Desde el ámbito de la crítica artística, Lucy Lippard y Graig Owens denunciaron el papel cómplice que el arte estaba desempeñando dentro de los procesos contemporáneos de la ciudad, ya sea como colaborador/decorador de las reestructuraciones urbanísticas o como índice de la revalorización de barrios para futuras inversiones de grupos inmobiliarios. La psicogeografía situacionista, de raigambre surrealista, la sociología y el urbanismo marxista (Peter Marcuse, David Harvey) también se encargaron de reseguir la trayectoria exacta del proceso por el cual el capital construye un paisaje geográfico a su propia imagen en un cierto punto del tiempo sólo para tener que destruirlo después, en una suerte de causalidad circular y acumulativa que no ha hecho más que acentuar las diferencias sociales y los desarrollos desiguales.

Durante los setenta, artistas como Vito Acconci, Adrian Piper, Hans Haacke, Martha Rosler, Richard Serra, Krzystof Wodiczko o Francesc Torres criticaron el desarrollo urbano de la ciudad de Nueva York que afectó profundamente tanto a su morfología arquitectónica como a su distribución social. Crearon contradiscursos con trabajos de resistencia. Hoy, a excepción de algún judas, estos artistas siguen siendo considerados los apóstoles del antagonismo.

En la actualidad, la fuerza crítica y de oposición de aquellos destructores ha degenerado fácilmente en conformidad con el orden establecido. Donde Matta Clark había creado el restaurante Food (galería 112 de Greene Street) para ofrecer a los comensales la cocina económica de su famoso "pollo aterciopelado en salsa de satén", "guiso de dumpling de hígado de alka seltzer" o su suculenta "bone dinner" (sopa de huesos), hoy tenemos a Ferran Adrià instalado en la alta cocina de la Documenta regalando sus costosísimas degustaciones a curadores y críticos de arte. Donde Hans Haacke había denunciado el negocio inmobiliario ("Shapolsky et al.", 1971) tenemos hoy a Santiago Sierra (y antes a Andrés Serrano) especulando con la imagen de los sin papeles y las prostitutas (a 24.000 euros la copia fotográfica de sus retratos). Y donde Richard Serra instalara su Tilted Arc (1981, desmantelado en 1989), tenemos hoy las inexpugnables cabezas gigantes de Manolo Valdés, enésima treta mercantil auspiciada por la Fundación La Caixa en la cada vez más falible capital catalana.

En su ensayo Sombras de la ciudad (Alianza, 2007), Iria Candela describe el proceso de desplazamientos, desahucios y disolución urbana que precedió al boom constructivo de la Gran Manzana. Los trabajos de Warhol (Thirteen Most Wanted Men, 1964) o las fotografías de Weegee mostraban las sombras más oscuras de la gran ciudad, que escondían acontecimientos igualmente cotidianos pero que las autoridades se esforzaban en mantener ocultos. "La metáfora de las malas calles tenía un sentido más amplio, pues también les servían para mostrar la fragilidad inherente al espacio público, falazmente entendido como un espacio social plural consensuado y, por tanto, la posibilidad real de resistencia a su poder de dominación", sostiene la autora. Aquel mural colocado en la fachada del New York State Pavillion con la imagen de 13 fugitivos de la justicia funcionaba como "una pancarta reivindicativa de un espacio público heterogéneo abierto a la diferencia, a la aceptación de aquellos sujetos que, por razones de género, sexo o ideología, eran criminalizados dentro de él" (la propia condición de fugitivo de la sociedad de Warhol enlaza con la ambigüedad que sugiere el título de los hombres más buscados o "más queridos", wanted).

Francesca Gavin, en su libro Creatividad en la calle. Nuevo arte underground (Blume, 2008), defiende la existencia de una nueva tendencia creativa de "interrupciones callejeras" heredera de los situacionistas. "La razón por la cual hoy la obra de estos jóvenes artistas es importante es porque fuerza al público a ser consciente y a interactuar con el mundo que le rodea. En una cultura dominada por un exceso de medios sensacionalistas, insustanciales y de usar y tirar, y por una cultura virtual, el mundo físico, real, tiene que reafirmar su presencia (...). La calle es el único lugar donde sabemos que algo es real". Gavin elabora una lista de los 30 principales que trabajan en las grandes urbes con técnicas a menudo de "bloqueo". Algunas propuestas son sencillamente esteticistas, otras más poéticas. Pero prácticamente todo ya había sido inventado hace tres décadas.

Los maragatos (LED throwies) de uno de los más importantes grupos frikis del grafiti, Graffiti Research Lab, son dibujos "brillantes que compiten con la publicidad y sólo se hacen visibles por la noche". "Sólo hay que juntar un LED, una pila y un imán con cinta adhesiva. Duran una media de tres semanas y son piezas abiertamente políticas, contra el Gobierno de Bush y sobre la idea de qué es lo público y qué lo privado", explican. El trabajo de los GRLab se expuso hace unos meses en el MOMA y remite a las proyecciones de Krzysztof Wodiczko para Union Square (The Homeless Projection: A proposal for the City of New York, 1986) y que nunca obtuvieron el permiso del Consistorio para ser proyectadas. En ellas, el artista polaco (1943) criticaba abiertamente la llamada gentrificación urbana; los monumentos escultóricos de George Washington, Abraham Lincoln y el marqués de Lafayette debían aparecer, de la noche a la mañana, convertidos en contramonumentos o esculturas nómadas que representaban a los homeless condenados al espacio abierto a vivir ante el público. Los sin techo compartían con los prohombres de América la condición pasiva de los "sin hogar de la historia".

El nuevo grafitero, Robin Rhode, combina el dibujo a carboncillo sobre la pared con la performance. Su serie Playground fue concebida en las esquinas de las calles de Johannesburgo para reemplazar virtualmente los parques infantiles sumidos en el abandono. El trabajo de Rhode es defendido por una potente galería neoyorquina. Otros artistas callejeros juegan con las señalizaciones de tráfico (Cayetano Ferrer, Knitta, Leopold Kessler), con pintadas hechas con plantillas (Influenza), grafías (Eine) o intervienen en las vallas publicitarias (Cut Up). Dan Witz, el abuelito de la escena artística callejera, empezó a pintar colibríes sobre viejas paredes. En la fachada de una casa juega con las tres ventanas (como si fueran dos ojos y una boca) y sitúa un gran balón rojo a la altura de la nariz. Una payasada. Matta-Clark se jugaba el pellejo en el Bronx saboteando o cortando trozos de edificios abandonados. Le persiguieron los polis y las bandas callejeras. Las propias autoridades locales demandarían al artista y le pedirían hasta un millón de dólares de compensación por los daños ocasionados en un inmueble de un muelle abandonado de Manhattan. Nunca hubo artista que igualara a Matta-Clark en violencia y compromiso. Su ejemplo es el más radical de site-specific y el que difuminó los límites de lo que era legítimo o no en el arte.

Originalmente en Babelia.

"El rodete mes gran del mon" versión pdf.

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Por primera vez este proyecto se presenta al publico, y en que mejor lugar que hacerlo en la calle... la semana pasada presentamos el proyecto "El rodete mes gran del món" a Art Public.

Bajo los adoquines hay playas, y sobre el asfalto una fina capa digital[*]

En el blog de Catarqsis, hemos topado con una muy interesante conferencia de Juan Freire en la que partiendo del análisis de los conceptos del común y el procomún, plantea una relación entre diferentes formas de distribuir el espacio mediante algunos modelos de arquitectura efímera con un acercamiento crítico al sistema de las redes digitales.

Es una conferencia larga, pero merece la pena verla al completo.

Intenta desmoralizar el discurso al no demonizar el capitalismo, la aportación privada( que como bien dice, está aportando gran parte de la actividad del espacio público tanto físico como virtual ,y a la educación) o el mercado(que deviene conversación cuando los intermediarios y legislaciones tienden a valores proximos a cero). Y por tanto debemos empezar a entender que el espacio público,espacio público posmoderno en sus palabras, como un Espacio Publico Híbrido, donde la publicidad, el mercado y la iniciativa privada y colectiva debe ser mirado de forma oportunista y donde las posibilidades son tan amplias como queramos que sean.Y es que entre otras cosas, el conocimiento digital ya es libre, y la lucha contra esa libertad está perdida, ya que no es una lucha contra esa libertad, sino contra el diseño del formato, que ya de por sí ha sido diseñado para ser libre, y por tanto se trataria de una lucha perdida contra el diseño(esto me encanta).
Tambien habla del temor de algunos sectores del conocimiento a la sobre abundancia de conocimiento, miedo procedente, quizás, a la imposibilidad de controlarla o filtrarla. Freire comenta brillantemente que este temor es absurdo, y que efectivamente la información es hiperabundante, y cada vez lo serás más, y que temerlo es como temer el exceso de corriente electrica o al exceso de agua, ya que la que quieres la coges el resto lo dejas correr, y que los creadores de conocimiento, ya empiezan a ser, antes que creadores, chefs de conocimiento(o bricoleur de conocimeinto como diría Maria García), en cierto modo como es él, más usadores de herramientas de conocimiento y libre uso de conceptos para nuevas recetas...¿acaso no citamos a nuestras madres cuando usamos la cebolla como ella, aunque hagamos la tortilla nosotros?

Otra muy interesante definición es la que hace de la nueva arquitectura(y arquitecto)necesario, que lo esquematiza de la siguiente manera:

Arquitectura Post-Espectacular:

-diseñar espacios de interacción física y digital.
-diseñar desde los participantes, desde los usuarios
-eficiencia y funcionalidad
-filosofia de código abierto (compratir diseños y prácticas)
-Soluciones baratas, eficiencia y viabilidad económica.

Básicamente...diseñar desde la participación en un resultado que saque a relucir la tectónica y la electrónica de nuestro entorno, que yo más bien diría lo estereotómico, lo tectónico y lo electrónico de nuestra nueva realidad.

[*]cita chef de Freire mezcla de J.Mª.Ezquiaga y Jose Pérez de Lama

Ver más pinchando aquí


imagen de Duncan Watts respecto a las estrategias virales tomada del blog de Juan Freire, nomada.blogs.com


desde catarqsis

Para finalizar, sacar uno de los muchas referencias impagables de la charla: la comparación que hace entre el festival burning man :




con las fallas de Valencia:

Flash mobs

Los llamados Flash mobs son convocatorias realizadas entre personas desconocidas para ejecutar un acto comun decidido de antemano. Su origen ¡ como no ! New York city.
Para mi esto es una performans en toda regla, y es tambien arte. La calidad a posteriori dependera de la inversion que se realize en la ejecucion . En origen se trata de un hecho fortuito que quedara recogido por los sorprendidos viandantes y supongo, tambien la organizacion. No obstante la intencion ultima de dicha " actuacion "entiendo que debe ser el darla a conocer, que aparezca en tv, periodicos, blogs ,etc.



más info

http://improveverywhere.com/

http://www.madridmobs.net/

desde quiero ser galerista

Madrid abierto 08

Los de Madrid Abierto han montado durante febrero una plataforma donde se plantean una serie de mesas redondas, debates e intervenciones en el Paseo Recoletos donde se busca la comprensión de cómo se construye el espacio público desde la práctica artística.